ETTORE SCOLA, EL ÚLTIMO CABALLERO ANDANTE

A los italianos que sufrieron a los dictadores, a los europeos que tuvieron gobiernos populistas, a los amantes del cine, a los enamorados de la vida retratada en fotogramas se les ha muerto un caballero andante.  Falleció en Roma a los 84 años Ettore Scola, y con él se despidió un cine militante, un cine que hablaba con la calle y desde la calle.

De la generación de oro y de los creadores que catapultaron al cine italiano en la segunda mitad del siglo tan sólo quedan los hermanos Taviani, pero la huella de Scola es más profunda, humana y sobrecogedora.

A Scola le importaba demostrar la bonhomía de la gente común, esa que él tenía como guía en la vida y la que ya no le interesa reflejar a los directores actuales.

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Director y guionista italiano nacido el 10 de Mayo de 1931 en Trevico. Estudió Derecho en la Universidad de Jurisprudencia de Roma, aunque nunca practicó seriamente su profesión. Trabajó en la tradición de la comedia italiana de la post-guerra, con películas caracterizadas por temas psicológicos y políticos y fue miembro del Partido Comunista Italiano. Vivió en una casa con una familia muy numerosa, muy similar a la que pintó en su película LA FAMILIA (1987


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SUS FILMES MÁS REPRESENTATIVOS:

1. “Nos habíamos amado tanto” (1974)
Fue su primer éxito internacional. A través de un grupo de tres amigos que se conoció en 1944 luchando contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial, cuenta las vicisitudes de la posguerra italiana con una crítica visión de la generación que luchó en ese conflicto.

2. “Feos, sucios y malos” (1976)
Le valió el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes. Con humor negro, cuenta la historia de marginalidad, pobreza y promiscuidad de una familia que quiere eliminar al jefe del clan, el abusador Giacinto.

3. “Una jornada particular” (1977)
La película protagonizada por Sophia Loren y Marcelo Mastroianni y ambientada en 1938, ganó el Globo de Oro a la Mejor Película en lengua extranjera y fue nominada a dos Oscar: Mastroianni a Mejor Actor y el filme como Mejor Película Extranjera. El filme se desarrolla en un solo día, donde dos personas rompen abruptamemte su rutina.

4. “Viva Italia” (1977)
Le trajo una nueva nominación a los Oscar, además de una nueva forma de rodar un filme, con 20 breves episodios que retratan la otra cara de la Italia de la época del “boom” económico.




6. “Macarrones” (1985)
Nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera, narra la vida de un hombre de negocios que vuelve a Italia después de 40 años. Protagonizada magistralmente por Jack Lemmon y Marcello Mastroianni.
7. “La familia” (1987)
Nominada al Oscar como Mejor Película de Habla no inglesa y nominada a la Palma de Oro en la Sección Oficial de Festival de Cannes, es una crónica de la vida de varias generaciones de una familia romana de la burguesía.

8. “Splendor” (1989)
La vida de Jordan, propietario de la sala de cine “Splendor” —situada  en el pueblo de Arpino, al sur de Roma—, ha estado siempre vinculada al cine. El negocio conoció momentos de gloria y esplendor, pero ahora la gente ha dejado de ir al lugar, por lo que la situación económica de Jordan se ha vuelto muy precaria. Fue nominada a la Palma de Oro como Mejor Película en el Festival de Cannes

Peter Greenaway

Hasta mediados de los 90, el director británico Peter Greenaway fue todo un héroe para los cinéfilos pero luego, rápidamente, fue relegado a la marginalidad, quizás por pecar de  demasiado abstraccionismo, quizás por no dejar comprender su mensaje de manera más directa, no sé.  Pero lo cierto es que sigue siendo un director de extraordinaria concepción visual y este año los argentinos tendremos el placer de verlo filmar en un proyecto muy ambicioso y deseable. Filmar un cuento de Jorge Luis Borges.

En un diario español y al respecto de una consulta sobre el arte el cineasta decía lo siguiente: ¿Por qué se siente tan decepcionado con el cine?
No creo que merezca ser considerado un arte. Hollywood hizo una declaración hace no mucho, en la que aseguraba que solo el 5 por ciento de las películas actuales se ven en el cine, por lo que el 95 por ciento de todas las películas realizadas en todo el mundo se ven en algún tipo de pantalla minúscula. El único lugar donde puedes ver películas en pantallas grandes son los festivales de cine. Así que, como llevo años diciendo, el cine se está muriendo y no voy a llorar. Lo que vendrá después será mucho más emocionante. Yo quiero hacer cine en tiempo presente, no narrativo y multipantalla. Tiempo presente significa que puedo hacer y proyectar una película el lunes, y proyectar una versión diferente de la misma el martes, y actualizarla de nuevo el miércoles, y así sucesivamente. Lo más aburrido de Casablanca es que es la misma película cada vez que la ves. Tenemos un cine basado en el texto: todas las películas comenzaron su vida como un texto y se enuncian como textos. El problema es, como dijo Rembrandt, que “que tengas ojos no significa que puedas ver”. La mayoría de la gente es visualmente analfabeta. Si no ha estudiado Arte o Diseño o Arquitectura, entonces usted es visualmente analfabeto.
Entonces yo quería pintar imágenes, en una forma curiosa, en una asociación con la música. Elcine hace eso y creo que la música es increiblemente importante en el cine.”
¿Está por hacer algo en Agrentina?

“Si, estoy por filmar  una película sobre Borges. Pero no voy a ilustrar un cuento corto de Borges, voy a construir sobre lo que él hizo y convertirlo en otra cosa.
Hubo mucha pintura en los ochenta que se llamaba pintura de la apropiación, tomas un arte del presente y lo retrabajas continuamente. Eso es muy honorable y muy legítimo desde que Dalí pinto un bigote sobre la Mona Lisa y a partir de ahí todos hemos estado haciendo lo mismo. De la misma manera que Borges no trata de la vida realsino que sobre la litertura. Está construyendo libros sobre libros. Entonces yo quiero construir imágenes sobre imágenes.”

A una muy temprana edad, Greenaway decidió que quería ser un pintor y desarrolló un interés por el cine europeo, particularmente por las cintas de Antonioni, Bergman, Godard, Pasolini y Resnais.
En 1962 inició estudios en el Walthamstow College of Art, donde compartió cursos con el músico Ian Dury con quien posteriormente trabajaría en El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante. En el Walthamstow College realizó su primer cortometraje titulado Death of Sentiment y que se desarrollaba alrededor de objetos del patio de una iglesia: cruces, ángeles volando, tipografía esculpida en la roca. La película fue filmada en cuatro cementerios londinenses.
En 1965 se unió a la Oficina Central de Información (COI), donde trabajó durante 15 años como editor y director. En 1966 dirigió Train, con fragmentos de la filmación del último tren de vapor que llegó a la estación de Waterloo, que estaba ubicada justo detrás de su lugar de trabajo en el COI. Una cinta de estilo abstracto influenciada por Fernand Léger y su ballet mécanique, todo montado por cortes sobre una banda sonora de música concreta. En 1966 también dirigió Tree, siendo el protagonista un árbol del Royal Festival Hall de Londres que se encontraba completamente rodeado de cemento.
La década de 1970 verá un Greenaway más serio que desarrollará en 1978 Vertical Features Remake y A Walk Through H. La primera, un estudio sobre formas con estructuras aritméticas y la segunda, un viaje a través de varios mapas.

En 1980 Greenaway producirá su más ambicioso trabajo hasta ese momento, titulado The Falls: un monstruo fantástico, una enciclopedia de lo absurdo de material asociable con el vuelo, con la ley de la gravedad, 92 víctimas de algo que denominó (VUE) “Violent Unknown Event” o Evento Violento Desconocido. Los años 80 vieron las mejores películas de Greenaway: El contrato del dibujante en 1982, A Zed & Two Noughts en 1985, El vientre del arquitecto en 1987, Drowning by Numbers (también traducida como Conspiración de mujeres) en 1988 y El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante en 1989, su película más conocida por el público.
Los noventa nos dieron las más atractivas a nivel visual Los libros de Próspero en 1991, la controvertida El niño de Mâcon en 1993, The Pillow Book en 1996, y 8 1/2Women en 1999.
Las maletas de Tulse Luper: La historia de Moab (1.ª parte) de 2003, Las maletas de Tulse Luper: De vaux al mar (2.ª parte) de 2004, y Nightwatching de 2007 (sobre el cuadro La ronda de noche de Rembrandt) son sus últimos filmes para la pantalla grande, unas extravaganzas multimedia que incluyen las más innovadoras técnicas.

En la mente de Peter Greenaway está la actitud de que aún no hemos visto lo que puede ser el cine, como se dijo anteriormente. Su ambición es intentar reinventarlo.
Expuso vídeos de su creación en la edición de la Exposición Universal Shanghái 2010, en el Árbol del Aire del pabellón de Madrid, en una iniciativa llevada a cabo por el grupo Open This End.